Sala C - Oficina de Artes

Na música, um vocalista ou cantor é um músico que canta, ou seja, usa a voz como seu instrumento musical. Um cantor principal, ou solista, é aquele que canta as voz primária de uma música, enquanto o cantor de apoio (ou, o coro) canta a voz de apoio (ou, a parte do canto coral) de uma música.

Numa obra para coro e instrumentos e ainda com partes adicionais e separadas para solistas vocais, os solistas, ordinariamente, podem também cantar a parte do coro quando os solistas não tem partes separadas. Em textos de programas, ou de gravações, o termo vocal se refere a parte instrumental que um cantor executa (i.e. o instrumento deste); assim como podemos encontrar o termo, baixo, para quem toca o contrabaixo; percussão, para quem toca a percussão, e assim por diante.

Em música, as vozes são tratadas tal como instrumentos musicais. Os exercícios vocais que um cantor faz chama-se vocalise.

Ana Carolina Souza, popularmente conhecida como Ana Carolina (Juiz de Fora, 9 de Setembro de 1974), é uma cantora, compositora, empresária, arranjadora, produtora e instrumentista brasileira de Pop, Pop Rock, Bossa Nova, Samba e MPB. Ganhadora de 4 Prêmio Multishow de Música Brasileira, 3 Troféu Imprensa e 1 Prêmio TIM de Música. Desde 1999 até hoje lançou nove álbuns e cinco Disco Digital de Vídeo, vendendo cinco milhões de discos[1][2]. Ela é uma das cantoras que mais venderam na década de 2000s.

Seu primeiro álbum, Ana Carolina, lançou o single "Garganta", marco na carreira da cantora. Com os sucessivos álbuns lançados, Ana Carolina conta, hoje, com inúmeras canções de sucesso, entre elas o single "Quem de Nós Dois", "Encostar Na Tua", "Uma Louca Tempestade", "Rosas" e "Carvão". Em 28 de Novembro de 2005, através de um projeto promovidos pela casa de shows "Tom Brasil", Ana Carolina e Seu Jorge lançaram, juntos, um álbum, Ana & Jorge: Ao Vivo, desse, foram extraídos as canções "Pra Rua Me Levar" e, o grande sucesso, "É Isso Aí" (The Blower's Daughter)".

Em 2009, a cantora fez 10 anos de carreira, lançando o álbum N9ve, que, por sua vez, lançou, até hoje, o singles "Entreolhares (The Way You’re Looking at Me)", que conta com a participação do cantor, compositor e pianista americano John Legend. A canção chegou no top da Billboard Hot Songs, no Rio de Janeiro, e 34° na Billboard Hot 100 Airplay. No mesmo ano, lançou a coletânea de canção, Ana Car9lina + Um, com duas canções inéditas e participação de vários cantores, entre eles, Maria Gadú, Maria Bethânia, Roberta Sá, Totonho Villeroy, entre outros. Esse ano, a cantora inicia dá início a turnê mundial do álbum e, planeja agravação de mais um DVD, que poderá ser gravado em Belo Horizonte, cidade em que a Ana Carolina iniciou sua carreira[3].

Nas artes cénicas, um ator/atriz (português brasileiro) ou actor/actriz (português europeu) (AO 1990: ator) é a pessoa que cria, interpreta e representa uma ação dramática baseando-se em textos, estímulos visuais, sonoros e outros, previamente concebidos por um autor ou criados através de improvisações individuais ou colectivas; utiliza-se de recursos vocais, corporais e emocionais, apreendidos ou intuídos, com o objetivo de transmitir ao espectador o conjunto de ideias e ações dramáticas propostas; pode utilizar-se de recursos técnicos para manipular bonecos, títeres e congéneres; pode interpretar sobre a imagem ou a voz de outrem; ensaia procurando aliar a sua criatividade à do encenador; atua em locais onde se apresentam espetáculos de diversões públicas e/ou nos demais veículos de comunicação.

O primeiro ator da história chamava-se Tespis, que criou o monólogo ao apresentar-se em plena Dionisíaca, na Grécia Antiga, no século V a.C. em Atenas. Trazido de Icárias pelo tirano Psístrato, o pretenso ator (que na época chamava-se hipocritès ou seja fingidor), munido de máscara e vestindo uma túnica, interpretou o deus Dionísio, destacando-se do coro, sobre a sua carroça que mais tarde ficaria conhecida como "carro de Tespis", criando um argumento artístico dentro de uma apresentação litúrgica politeísta, criando o papel do protagonista, num movimento que futuramente ficaria conhecido como tragédia grega.

Tespis também criou a conotação de segundo ator, ou o que mais tarde Ésquilo chamaria de deuteragonista, ao interpretar dois personagens através de duas máscaras (uma na parte frontal do corpo e outra na parte das costas).

O cinema é possível, graças à invenção do cinematógrafo pelos Irmãos Lumière no fim do século XIX. Em 28 de dezembro de 1895, no subterrâneo do Grand Café, em Paris, eles realizaram a primeira exibição pública e paga de cinema: uma série de dez filmes, com duração de 40 a 50 segundos cada, já que os rolos de película tinham quinze metros de comprimento. Os filmes até hoje mais conhecidos desta primeira sessão chamavam-se "A saída dos operários da Fábrica Lumière" e "A chegada do trem à Estação Ciotat", cujos títulos exprimem bem o conteúdo. Apesar de também existirem registros de projeções um pouco anteriores a outros inventores (como os irmãos Max Skladanowsky [1] [2] e Emil Skladanowsky na Alemanha), a sessão dos Lumiére é aceita pela maciça maioria da literatura cinematográfica como o marco inicial da nova arte. O cinema expandiu-se, a partir de então, por toda a França, Europa e Estados Unidos, através de cinegrafistas enviados pelos irmãos Lumière, para captar imagens de vários países.

Nesta mesma época, um mágico ilusionista chamado Georges Méliès, que comandava um teatro nas vizinhanças do local da primeira exibição mencionada, quis comprar um cinematógrafo, para utilizá-lo em seus números de mágica. No entanto, os Lumière não quiseram vender-lhe, e o pai dos irmãos inventores chegou a dizer a Meliès que o aparelho tinha finalidade científica e que o mágico teria prejuízo, se gastasse dinheiro com a máquina, para fazer entretenimento. Meliès conseguiu um aparelho semelhante, depois, na Inglaterra, e foi o primeiro grande produtor de filmes de ficção, com narrativas, voltados para o entretenimento. Em suas experimentações, o mágico descobriu vários truques que resultaram nos primeiros efeitos especiais da história do cinema. Foi o responsável, portanto, pela inserção da fantasia na realização de filmes.

Logo depois, nas duas primeiras décadas do século XX, o diretor estadunidense David W. Griffith, um dos pioneiros de Hollywood, realizou filmes que fizeram com que ele fosse considerado pela historiografia cinematográfica o grande responsável pelo desenvolvimento e pela consolidação da linguagem do cinema, como arte independente, apesar das polêmicas ideológicas em que se envolveu. Ele foi o primeiro a criar filmes em que a montagem e os movimentos de câmera eram empregados com maestria e, com isso, estabeleceu os parâmetros do fazer cinematográfico dali em diante. Destaque para "Intolerância", admirado até hoje entre cineastas e cinéfilos.

Como forma de registrar acontecimentos ou de narrar histórias, o Cinema é uma arte que geralmente se denomina a sétima arte, desde a publicação do Manifesto das Sete Artes pelo teórico italiano Ricciotto Canudo em 1911. Dentro do Cinema existem duas grandes correntes: o cinema de ficção e o cinema documental.

Como registro de imagens e som em comunicação, o Cinema também é uma mídia. A indústria cinematográfica se transformou em um negócio importante em países como a Índia e os Estados Unidos, respectivamente o maior produtor em número de filmes por ano e o que possui a maior economia cinematográfica, tanto em seu mercado interno quanto no volume de exportações.

A projeção de imagens estáticas em sequência para criar a ilusão de movimento deve ser de no minimo 16 fotogramas (quadros) por segundo, para que o cérebro humano não detecte que são, na verdade, imagens isoladas. Desde 1929, juntamente com a universalização do cinema sonoro, as projeções cinematográficas no mundo inteiro foram padronizadas em 24 quadros por segundo.

Nas artes cénicas, um ator/atriz (português brasileiro) ou actor/actriz (português europeu) (AO 1990: ator) é a pessoa que cria, interpreta e representa uma ação dramática baseando-se em textos, estímulos visuais, sonoros e outros, previamente concebidos por um autor ou criados através de improvisações individuais ou colectivas; utiliza-se de recursos vocais, corporais e emocionais, apreendidos ou intuídos, com o objetivo de transmitir ao espectador o conjunto de ideias e ações dramáticas propostas; pode utilizar-se de recursos técnicos para manipular bonecos, títeres e congéneres; pode interpretar sobre a imagem ou a voz de outrem; ensaia procurando aliar a sua criatividade à do encenador; atua em locais onde se apresentam espetáculos de diversões públicas e/ou nos demais veículos de comunicação.

O primeiro ator da história chamava-se Tespis, que criou o monólogo ao apresentar-se em plena Dionisíaca, na Grécia Antiga, no século V a.C. em Atenas. Trazido de Icárias pelo tirano Psístrato, o pretenso ator (que na época chamava-se hipocritès ou seja fingidor), munido de máscara e vestindo uma túnica, interpretou o deus Dionísio, destacando-se do coro, sobre a sua carroça que mais tarde ficaria conhecida como "carro de Tespis", criando um argumento artístico dentro de uma apresentação litúrgica politeísta, criando o papel do protagonista, num movimento que futuramente ficaria conhecido como tragédia grega.

Tespis também criou a conotação de segundo ator, ou o que mais tarde Ésquilo chamaria de deuteragonista, ao interpretar dois personagens através de duas máscaras (uma na parte frontal do corpo e outra na parte das costas).
O Oscar de melhor ator é um prêmio oferecido pela Academia de Artes e Ciências Cinematográficas aos considerados os melhores atores da indústria cinematográfica em cada ano. As indicações são feitas pelos membros da Academia, que são atores ou atrizes.

Em 1933 não houve entrega dos prêmios, que foram entregues duas vezes em 1930 (em abril, referente aos filmes produzidos entre 2 de agosto de 1928 e 31 de julho de 1929, e em novembro, referente aos filmes produzidos entre 1º de agosto de 1929 e 31 de julho de 1930); em 1931 (em novembro, referente aos filmes produzidos entre 1º de agosto de 1930 e 31 de julho de 1931); em 1932 (em novembro, referente aos filmes produzidos entre 1º de agosto de 1931 e 31 de julho de 1932); e em 1934 (em março, referente aos filmes produzidos entre 1º de agosto de 1932 e 31 de dezembro de 1933).

Em 1932, Wallace Beery e Fredric March "protagonizaram" o único empate da história do prêmio. March recebeu um voto a mais do que Beery, porém as regras da época diziam que uma margem tão pequena de diferença era considerado um empate. Após este acontecimento, as regras foram mudadas e apenas um empate exato é considerado. O empate nunca mais ocorreu no prêmio de melhor ator, mas ocorreu no de melhor atriz.

Peter Finch foi o único ator a ganhar o prêmio postumamente, por Network, em 1977.

Spencer Tracy e Tom Hanks foram os únicos atores a ganhar o prêmio por dois anos consecutivos, Tracy em 1938 e 1939; Hanks em 1994 e 1995. Curiosamente, ambos tinham quase a mesma idade quando receberam o prêmio: 37 anos o primeiro e 38 anos o segundo.

Apenas dois atores dirigiram suas próprias atuações vencedoras do Oscar: Laurence Olivier, por Hamlet; e Roberto Benigni, por La vita è bella. Benigni também é um dos seis atores que ganharam o prêmio de melhor ator em um filme de língua não-inglesa; os outros foram Sophia Loren, Robert De Niro, Benicio del Toro, Marion Cotillard e Christoph Waltz.

George C. Scott recusou seu prêmio por Patton, assim como Marlon Brando, por The Godfather.

O ator mais jovem a vencer o prêmio foi Adrien Brody, por The Pianist, com então 29 anos. O mais velho foi Henry Fonda, por On Golden Pond, então com 76 anos.

Dois atores já venceram o Oscar por interpretar o mesmo papel: Don Vito Corleone. Eles foram Marlon Brando, em The Godfather, e Robert De Niro, em The Godfather Part II; sendo o último na categoria de melhor ator coadjuvante.

Apenas quatro atores negros ganharam o Oscar de Melhor Ator. Sidney Poitier em 1964, Denzel Washington em 2002, Jamie Foxx em 2005 e Forrest Whitaker em 2007.
O Oscar de melhor atriz coadjuvante (português brasileiro) ou Óscar de melhor actriz secundária (português europeu), é a tradução para o português de Academy Award for Best Performance by an Actress in a Supporting Role. Por vezes, utiliza-se simplesmente a designação Oscar de atriz coadjuvante (ou Óscar de melhor actriz secundária). Trata-se de um dos prêmios dados pela Academia de Artes e Ciências Cinematográficas desde 1937. Inicialmente, o troféu para este prêmio era uma placa.

Para este prêmio, as atrizes são indicadas pelos atores e atrizes membros da Academia e as vencedoras são escolhidas por todos os seus membros. Os filmes são escolhidos em geral entre aqueles lançados no ano anterior; por exemplo, o Oscar de atriz coadjuvante de 1999 foi anunciado na cerimônia realizada em 2000.

Tatum O'Neal, vencedora do prêmio de melhor atriz coadjuvante em 1974 por sua atuação no filme Paper Moon, foi a atriz mais jovem a ganhar um Oscar, aos dez anos de idade. Em segundo lugar vem Anna Paquin, premiada aos onze anos em 1994, pela atuação no filme The Piano.

O ano indicado no artigo refere-se ao ano em que ocorreu a entrega do prêmio, relativo à melhor atriz coadjuvante do ano anterior.
O Oscar de melhor atriz é um prêmio oferecido pela Academia de Artes e Ciências Cinematográficas às atrizes que trabalham na indústria cinematográfica e são consideradas as melhores de cada ano. As indicações são feitas pelos membros da Academia, que são atores ou atrizes.

Em 1933 não houve entrega dos prêmios Oscar, que foram entregues duas vezes em 1930 (em abril, referente aos filmes produzidos entre 2 de agosto de 1928 e 31 de julho de 1929, e em novembro, referente aos filmes produzidos entre 1º de agosto de 1929 e 31 de julho de 1930); em 1931 (em novembro, referente aos filmes produzidos entre 1º de agosto de 1930 e 31 de julho de 1931); em 1932 (em novembro, referente aos filmes produzidos entre 1º de agosto de 1931 e 31 de julho de 1932); e em 1934 (em março, referente aos filmes produzidos entre 1º de agosto de 1932 e 31 de dezembro de 1933).

A indicada mais jovem foi Keisha Castle-Hughes, que tinha treze anos quando foi nomeada pelo papel em Whale Rider, em 2004. A vencedora mais jovem foi Marlee Matlin, que tinha 21 anos quando ganhou pelo papel em Children of a Lesser God. A indicada e vencedora mais velha foi a atriz Jessica Tandy, que tinha 80 anos de idade quando ganhou por Driving Miss Daisy, em 1990.

Katharine Hepburn é a atriz que ganhou mais Oscars, com quatro vitórias. Doze atrizes venceram pelo menos duas vezes. Em ordem cronológica são: Luise Rainer, Bette Davis, Olivia de Havilland, Vivien Leigh, Ingrid Bergman, Elizabeth Taylor, Glenda Jackson, Jane Fonda, Maggie Smith ,Sally Field, Jodie Foster e Hilary Swank.

A primeira nao-americana a ganhar o prêmio foi a inglesa Vivien Leigh, em 1940.

Meryl Streep foi a atriz mais indicada, com treze nomeações, e outras três como melhor atriz coadjuvante.

Ocorreu apenas um empate nessa categoria. Isto aconteceu em 1969, quando Katharine Hepburn e Barbra Streisand receberam o mesmo prêmio, uma vez que obtiveram exatamente o mesmo número de votos.

A primeira e única mulher negra a ganhar o Oscar de melhor atriz foi Halle Berry, em 2002, pelo seu papel em Monster's Ball.

Cantora
Na música, um vocalista ou cantor é um músico que canta, ou seja, usa a voz como seu instrumento musical. Um cantor principal, ou solista, é aquele que canta a voz primária de uma música, enquanto o cantor de apoio (ou, o coro) canta a voz de apoio (ou, a parte do canto coral) de uma música.

Numa obra para coro e instrumentos e ainda com partes adicionais e separadas para solistas vocais, os solistas, ordinariamente, podem também cantar a parte do coro quando os solistas não tem partes separadas. Em textos de programas, ou de gravações, o termo vocal se refere a parte instrumental que um cantor executa (i.e. o instrumento deste); assim como podemos encontrar o termo, baixo, para quem toca o contrabaixo; percussão, para quem toca a percussão, e assim por diante.

Em música, as vozes são tratadas tal como instrumentos musicais. Os exercícios vocais que um cantor faz chama-se vocalise.

Tipos de vozes

As vozes são comumente classificadas por gênero e extensão vocal, como se segue:
Vozes femininas

Infantes

* Pré-primária
* Sopranino
* Contraltino

Adultos

* Soprano
* Soprano leggero
* Mezzo-soprano
* Alto ou Contralto

[editar] Vozes masculinas

Adultos

* Sopranista
* Contratenor
* Haute-contre
* Tenor
* Baritenor
* Barítono
* Baixo-barítono
* Baixo

Infantís

* Tenorino
* Contraltino

Voz de transição

* Barítono infantil

Dança
dança é uma das três principais artes cênicas da Antiguidade, ao lado do teatro e da música. Caracteriza-se pelo uso do corpo seguindo movimentos previamente estabelecidos (coreografia) ou improvisados (dança livre).[1] Na maior parte dos casos, a dança, com passos cadenciados é acompanhada ao som e compasso de música e envolve a expressão de sentimentos potenciados por ela.

A dança pode existir como manifestação artística ou como forma de divertimento e/ou cerimônia. Como arte, a dança se expressa através dos signos de movimento, com ou sem ligação musical, para um determinado público, que ao longo do tempo foi se desvinculado das particularidades do teatro.

Atualmente, a dança se manifesta nas ruas em eventos como "Dança em Trânsito", sob a forma de vídeo, no chamado "vídeodança", e em qualquer outro ambiente em que for contextualizado o propósito artístico.
Índice
[esconder]

* 1 História da dança
* 2 Dança e educação
* 3 Classificação e gêneros
* 4 Ballet de repertório
* 5 Ver também
* 6 Referências

[editar] História da dança
Apresentação de um grupo de dança.

A história da dança cênica representa uma mudança de significação dos propósitos artísticos através do tempo.

Com o Balé Clássico, as narrativas e ambientes ilusórios é que guiavam a cena. Com as transformações sociais da época moderna, começou-se a questionar certos virtuosismos presentes no balé e começaram a aparecer diferentes movimentos de Dança Moderna. É importante notar que nesse momento, o contexto social inferia muito nas realizações artísticas, fazendo com que então a Dança Moderna Americana acabasse por se tornar bem diferente da Dança Moderna Européia, mesmo que tendo alguns elementos em comum.

A dança contemporânea como nova manifestação artística, sofrendo influências tanto de todos os movimentos passados, como das novas possibilidades tecnológicas (vídeo, instalações). Foi essa também muito influenciada pelas novas condições sociais - individualismo crescente, urbanização, propagação e importâncias da mídia, fazendo surgir novas propostas de arte, provocando também fusões com outras áreas artísticas como o teatro por exemplo.
[editar] Dança e educação

Rodrigo Amorim(2000) considera a educação como evolução e transformação do indivíduo, considerando a dança como um contínuo da Educação Física, expressão da corporeidade e considerando o movimento um meio para se visualizar a corporeidade dos nossos alunos, a dança na escola deve proporcionar oportunidades para que o aluno possa desenvolver todos os seus domínios do comportamento humano e, através de diversificações e complexidades, o professor possa contribuir para a formação de estruturas corporais mais complexas. O educador físico se utiliza da dança mas no aspecto biológico que é sua área de atuação.

É preciso deixar claro que professor de educação física não é professor de dança. Apesar deste profissional se utilizar da dança como instrumento, em academias de ginástica para obter condicionamento físico e melhorar a qualidade de vida por exemplo. Os cursos de Educação Física não formam ou qualificam profissionais de dança, seja o artista bailarino, dançarino ou coreógrafo, embora a dança possa e deva ser usada como conteúdo nas aulas de Educação Física.

O ensino da dança nas escolas brasileiras deve ser abordado dentro do conteúdo Artes, segundo os Parâmetros Curriculares Nacionais (fonte www.mec.gov.br)constitui componente curricular obrigatório, contemplando para o ensino fundamental Artes Visuais, Dança, Música e Teatro, e, para o ensino médio, além destas linguagens já citadas, há a inclusão das Artes Audiovisuais. (PCN - BRASIL, 2000, p. 46)

A abordagem da dança dentro do contexto da educação física é complementar e deve auxiliar no preparo físico para que os profissionais de artes possam atuar.

A dança é uma área de conhecimento autônoma, até mesmo dentro das Artes, e é preciso ser respeitada e reconhecida como tal. A formação para professores e artistas de dança é adquirida nos cursos superiores de dança (bacharelados e licenciaturas) e a profissão é regulamentada pela Lei 6.533/78 a Lei do Artista.
[editar] Classificação e gêneros
Dança Bharatanatyam

Várias classificações das danças podem ser feitas, levando-se em conta diferentes critérios.

* Quanto ao modo de dançar:
o dança solo (ex.: coreografia de solista no balé, sapateado);
o dança em dupla (ex.: tango, salsa, valsa, forró etc);
o dança em grupo (ex.: danças de roda, sapateado).

* Quanto a origem:
o dança folclórica (ex.: catira, carimbó, reisado etc);
o dança histórica (ex.: sarabanda, bourré, gavota etc);
o dança cerimonial (ex.: danças rituais indianas);
o dança étnica (ex.: danças tradicionais de países ou regiões).

* Quanto a finalidade:
o dança erótica (ex.: can can, striptease, pole dancing);
o dança cênica ou performática (ex.: balé, dança do ventre, sapateado, dança contemporânea);
o dança social (ex.: dança de salão, axé, tradicional);
o dança religiosa/dança profética (ex.: dança sufi).

[editar] Ballet de repertório

* O Lago dos Cisnes
* O Quebra Nozes
* A Bela Adormecida
* Don Quixote
* Giselle
* Romeu e Julieta
* La Sylphide
* Coppélia
* Petrushka
* Spartacus
* A Sagração da Primavera
* Pássaro de Fogo
* Harlequinade
* La Fille Mal Garde
* La Bayadère
* Satanela
* Paquita
* Diana e Acteon
* Chamas de Paris
* Le Espctre De La Rose
* Le Corsarie
* Les Sylphides
* La Esmeralda